La casa stregata. Cinema, Teatro, Musica.

L'arte secondo me (che poi sarei io)

2013-07-24T15:13:00.000+02:00

Che cosa è l'arte? A cosa serve l'arte?

Direi che l'arte non serve a niente, per questo è così meravigliosamente utile.

Tutti coloro che caricano l'arte di grandiosi potenziali, di incredibili capacità di influire su chissà cosa, a mio avviso non ci hanno capito niente. Molto semplicemente l'arte in tutte le sue forme è un puro e semplice stimolo al piacere. Aggiungo anche molto banalmente che si tratta di provocare semplici emozioni. E queste emozioni si manifestano in ogni individuo in maniera diversa perché tale stimolo entra in diretta empatia con il nostro personale vissuto. Quindi ognuno risponde in maniera diversa alle continue provocazioni dell'arte. L'arte è poi ovunque intorno a noi. Non ci sono differenze di qualità tra due fenomeni artistici: chi afferma che Mozart è superiore a Rino Gaetano è un emerito imbecille. Ciò che conta nell'arte è avere qualcosa da comunicare e farlo bene, suscitare emozioni, creare divisioni anche violente. L'arte crea senso di appartenenza. Il calcio è una forma d'arte. Crea divisioni, unisce, divide, suscita emozioni forti. Lo scopo del gioco è mandare il pallone in rete, ma non sempre ciò viene fatto nel modo più semplice possibile, nella maniera più scontata, più diretta e meno dispendiosa. Il calcio non è uno sport efficiente: molti gesti vengono fatti per pura bellezza. Il cucchiaio di Totti non è il modo più semplice per segnare un rigore, ma è quello più bello. Parliamo di Maradona: nel suo famosissimo gol in cui parte da centro campo come un treno dribblando tutti, avrebbe potuto evitare di dribblare anche il portiere e fare gol prima, invece no, ha dovuto portare a termine quella che per me è un'impresa artistica. Ha provocato emozioni, c'era bellezza in quell'azione. E gli esempi sono molteplici. Il calcio e altri sport sono vere e proprie forme d'arte in quanto ci sono tutti gli elementi giusti: la tecnica e la fantasia.

Il Lavoro della spalla comica

2012-12-19T22:59:00.001+01:00

Secondo articolo della serie dedicata al rapporto Comico e Spalla. Entriamo più nel dettaglio.

Dal punto di vista strettamente comico e drammaturgico, la spalla deve sostenere il comico e dargli le battute. Ecco cosa spiega Dario Fo parlando di Totò

Totò utilizza tutte le tecniche del vecchio teatro tradizionale e popolare. Ricorre spesso a un partner chiamato spalla. Questo partner gli dà la battuta, gli fa da contrappunto, per le ripetizioni e i rimbalzi necessari al discorso comico. Ma non serve unicamente a dargli la battuta, a recitare in contrappunto, a fare da controscena: è prima di tutto un punto d'appoggio. Lo stesso termine "spalla" deriva dall'atleta che, nel salto pericoloso, offre all'acrobata una possibilità d'appoggio, di rimbalzo, che in qualche modo lo spinge e lo proietta in avanti. E' così che Totò utilizza la spalla e sempre mirabilmente.

Il termine “spalla” è dunque molto appropriato al tipo di lavoro che svolge: offrire un punto d’appoggio, un fulcro su cui l’attore comico può appoggiarsi per poter ben piazzare le proprie battute. La spalla deve possedere grandi doti di attore e un senso del ritmo perfetto, perché è responsabile dell’efficacia delle battute del comico (è noto che il ritmo è alla base della comicità). Se la spalla non è in grado di offrire gli “assist” al comico con precisione, la buona riuscita della performance comica sarà messa in pericolo. La spalla ha un ruolo importantissimo nella dinamica e nel ritmo di una scena, di uno sketch, di un intero spettacolo. Ecco cosa afferma il comico Willy Clark (Walter Matthau) a proposito del suo odiato partner di una vita, Al Lewis (George Burns), nel film I ragazzi irresistibili:

Ben Clark: Dimmi una cosa: se ti ci trovavi tanto male, perché siete rimasti insieme per quarantatre anni?

Willy Clark: Perché era fantastico, non ci sarà mai un altro come lui, nessuno sapeva dare a una scena il ritmo che gli dava lui, nessuno sapeva dire una battuta come lui, io sapevo cosa pensava lui lo stesso con me, una sola persona… ecco cosa eravamo.[2]

Di solito la fortuna di un attore che fa da spalla è offuscata dalla notorietà e dalla fama del comico, che attira su di sé tutti i meriti e gli onori del caso. La spalla passa in secondo piano e sono pochi coloro che sanno apprezzare e riescono a intravedere le doti del secondo attore. Un caso tipico riguarda le spalle di Totò (di cui parleremo più avanti): Mario Castellani, Erminio Macario, Giacomo Furia, Nino Taranto (con il caso a parte di Peppino De Filippo e Aldo Fabrizi, veri e proprio comprimari), tutti attori eccezionali che riuscivano con grande dignità a reggere il gioco di Totò che improvvisava, distruggeva e ricostruiva il testo e inventava gag sul momento. Solo un grande attore poteva fare la spalla di Totò e tutti coloro che si susseguirono in questo ruolo scomodo ci riuscirono alla perfezione.

Il cinema italiano è ricco di queste figure minori. In particolare la grande stagione della commedia all’italiana ha attinto largamente al bacino di attori chiamati “caratteristi”. Grandi attori che furono sempre relegati in ruoli marginali o si prestarono a fare da spalla alle “stelle” dell’epoca. Secondo Mario Monicelli

Nella commedia i caratteristi sono fondamentali. Un viso, un corpo che in due battute devono imprimersi nella mente dello spettatore. C’è stato un periodo in cui l’Italia ne era piena. Venivano dall’avanspettacolo e dalla rivista. Erano di una bravura eccezionale, istintiva, ma con alle spalle una lunga gavetta.[3]

Sono volti indimenticabili, in grado di far vivere personaggi dalla forte umanità avendo a disposizione pochissimi spazi

[…] caratterista vuol dire per noi quell’attore che riveste un carattere umano, che incarna un personaggio vivo e non una “macchietta”, quell’attore che abitualmente ricopre parti di protagonista, ma che è dotato di eccezionale forza interpretativa, con o senza sottolineature tipiche, abbia o non abbia la barba, o la pancia.[4]

L’attore minore o la spalla doveva di volta in volta fare un vero e proprio lavoro di interpretazione, doveva calarsi in personaggi umani e in questo doveva dimostrare la propria grandezza. Basti prendere il caso di Totò. Totò è sempre rimasto Totò entrando di forza nei personaggi e facendoli esplodere piegandoli alle sue esigenze di comico. Le spalle, primo fra tutti Peppino De Filippo che fu grandissimo proprio sotto questo punto di vista, dovevano di volta in volta calarsi in personaggi specifici, molto realistici, che dovevano proprio controbilanciare l’eccentricità e la tendenza surreale del comico. A questo proposito è da prendere in grande considerazione la frase di Giacomo Furia, «Totò è stato un grande comico, Peppino De Filippo un grande attore comico».[5]

[1] In G. Fofi e F. Faldini, Totò, Tullio Pironti Editore, Napoli 1987, pag. 258.

[2] Dal film I ragazzi irresistibili di Herbert Ross.

[3] Sebastiano Mondadori, La commedia umana, conversazioni con Mario Monicelli, il Saggiatore, Milano 2005, pag. 170.

[4] Ermanno Comuzio, “Cinema”, n. 119, riportato in M. Giraldi, E. Lancia, F. Melelli, 100 caratteristi del cinema italiano, Gremese Editore, Roma 2006, pag 10

[5] Alberto Anile, Totò e Peppino, fratelli d’Italia, Einaudi, Torino 2001, pag. 59.

Il comico e la spalla

2012-12-17T17:45:00.001+01:00

In moltissimi sketch, in interi spettacoli teatrali o film, la comicità è basata un due attori: il primo è il beniamino del pubblico, fa ridere e ha il monopolio delle battute più comiche, il secondo lo appoggia, lo sostiene, gli offre gli spunti, spesso ponendosi in uno stato di opposizione e di difficile convivenza. Si tratta del comico e della sua spalla. L’accostamento di questi due poli antitetici, ognuno con precise funzioni e caratteristiche, crea un attrito molto forte che genera una presa sicura sullo spettatore.

Con questo articolo inauguro una serie di post in cui tratterò in maniera approfondita il rapporto Comico/Spalla.

Sia il comico che la spalla hanno delle caratteristiche molto precise e stabiliscono tra di loro un rapporto di amore/odio dalle numerose varianti, ma con il medesimo principio di base: la spalla rappresenta la norma, il comico l’eccezione. Tra comico e spalla, il secondo rappresenta sempre il modo giusto di pensare e di fare le cose che controbilancia la vocazione all’eccentricità del primo.

Di solito con il termine spalla si indica un ruolo di secondo piano, di poca importanza e che potrebbe fare chiunque. In questa serie di articoli la spalla assume un ruoli di pari valore rispetto al comico perché dalla sua performance dipende l’efficacia delle battute. Inoltre il comico e spalla sono due ruoli ben definiti che dipendono l’uno dall’altro e sarebbe scorretto dare un peso maggiore all’uno o all’altro.

Il comico è l’ultima persona con cui si vorrebbe avere a che fare. Con il comico non si può ragionare, non si riesce a stabilire un rapporto normale, comunicare con lui è impossibile. Il comico è eccentrico, articola il proprio vivere attraverso logiche ferree quanto incomprensibili. Ha la testa dura, non capisce e sostiene sempre di essere lui l’incompreso. Da sciocco, ritiene che tutti gli altri siano sciocchi. La spalla è costretto, suo malgrado, a stargli accanto, a sostenerlo, a seguirlo e soprattutto a starlo a sentire, anche quando non vorrebbe. Gli sketch dei fratelli De Rege terminano sempre con un «Ma basta, ma vai via!» di Guido, la spalla, che pone fine a dialoghi insostenibili che superano la normale capacità di sopportazione.

La spalla è la norma, il comico è l’eccezione.

Il comico è inoltre il furbo, lo scansafatiche, e dietro quel suo atteggiamento da vittima nasconde la sua vera vocazione da carnefice. Un esempio è Totò che tortura, nel vero senso della parola, i vari Peppino De Filippo e Mario Castellani che si trovano a doverlo sostenere, o meglio, sopportare. Ma anche Giorgio De Rege, che pur subendo le arrabbiature di Guido e i suoi vari insulti (il celebre “Vieni avanti, cretino”), risulta essere il vero torturatore che, con calma è con freddure spiazzanti, mette a dura prova la capacità di sopportazione del fratello.

Ciò che accade nel rapporto comico/spalla è singolare: c’è di norma un personaggio che emerge in quanto comanda, è scorbutico, tratta male gli altri, parla più di tutti e in perfetto italiano, rivendica i propri titoli e il proprio potere, ascolta chi vuole parlare ma per sua concessione, insulta, esige rispetto e spesso si arrabbia: è la spalla. Il personaggio che a prima vista sembra essere quello principale e più importante risulta essere nient’altro che la spalla di uno più taciturno, che a mala pena sa parlare, che si comporta in modo strano sovvertendo la realtà e in normali codici di comportamento. È il personaggio che fa ridere, che convoglia su di sé l’attenzione del pubblico e deve catturare lo sguardo dello spettatore come se fosse una calamita.

Sono tantissimi i casi in cui questo rapporto diventa la struttura fondamentale dello spettacolo comico: il circo con il clown Bianco e l’Augusto, il teatro di varietà con i fratelli De Rege, Totò, Stanlio e Ollio, Gianni e Pinotto, Dean Martin e Jerry Lewis, solo per citarne alcuni.Nei prossimi articoli parleremo un po' di questi casi particolari.

Nel prossimo articolo vedremo in pratica quali sono le funzioni della spalla.

Il Tartufo - trama

2012-12-10T20:26:00.003+01:00

Il Tartufo è una delle commedie più conosciute di Moliére e fu rappresentata il 12 maggio 1664 in occasione dei Plaisir de l’Ile Enchantée, i festeggiamenti offerti da Luigi XIV con la collaborazione dello stesso Molière. Come abbiamo già visto in un precedente articolo, la commedia suscitò l’avversione del partito devoto di corte e generò un’ aspra contesa.

Trama

La vicenda è ambientata nella casa di una nobile famiglia francese all’epoca di Luigi XIV. Il padrone di casa, Orgone, ha ospitato un fervente devoto: il Tartufo. L’ammirazione di Orgone per lui è tale che gli ha promesso in sposa la figlia. Marianna, che però ama Valerio. Il Tartufo non è così integerrimo come vorrebbe far pensare: è innamorato della moglie di Orgone, Elmira, e la insidia confessando il suo amore. La donna lo respinge e coglie l’occasione per ricattarlo: deve rifiutarsi di sposare Marianna oppure dirà tutto al marito, in questo modo accontenterà la figlia che potrà sposare il suo Valerio. Ma, nascosto in un armadio, Damide figlio di Orgone, sente tutto ed è deciso a denunciare l’accaduto per smascherare il Tartufo. Ma Orgone non crede alle accuse rivolte contro il suo amico e per di più gli dona tutto ciò che ha.

Vista la brutta piega che ha preso la cosa Elmira decide di smascherare il Tartufo: convince il marito a nascondersi sotto un tavolo e induce il Tartufo a confessare di nuovo il suo amore per lei. Compresa l’amara verità, Orgone esce dal nascondiglio per punire quel traditore che però ormai è padrone di tutto ed è deciso a cacciarli di casa. Inoltre denuncia al re Orgone, a causa di importanti segreti che teneva nascosti in un cassetto. Quando però arriva un ufficiale del re, questi arresta il Tartufo, spiegando che si tratta di un noto truffatore e che il re ha annullato il contratto tra lui e Orgone.

La censura nel teatro di Molière - "Il Tartufo"

2012-12-08T20:47:00.004+01:00

Nell’articolo precedente abbiamo visto come Molière sia stato un autore che ha attraversato non pochi problemi di censura a causa delle sue opere e abbiamo affrontato il caso de La scuola delle mogli. Vediamo ora come l’ostilità nei suoi confronti si manifestò pienamente nel caso di una delle sue opere più famose: Il Tartufo.

Il Tartufo è forse l’opera a cui Molière ha tenuto di più se si considera la fatica e l’ostinazione con cui ha combattuto per farla rappresentare e il sacrificio che è stato disposto a fare pur di liberala dalla censura: mi riferisco al “silenzio del Don Giovanni”. Dopo il successo ottenuto a partire dalla prima rappresentazione del 15 febbraio del 1665 il Don Giovanni è praticamente scomparso dalle scene. Dopo la consueta interruzione pasquale, l’opera non fu più ripresa. Si è trattato probabilmente dell’accettazione di un compromesso: far sparire il Don Giovanni intravedendo la possibilità di buone nuove per il Tartufo.

La messa in scena del Tartufo avvenne il 12 maggio 1664 e suscitò l’avversione del partito devoto di corte che faceva capo ad Anna d’Austria e aveva come personaggio di spicco l’arcivescovo di Parigi Hardouin De Perefixe, ex precettore del re. Si unì al coro la Compagnia del Santo Sacramento, una confraternita segreta che si proponeva la difesa della religione e dei buoni costumi tanto da spingersi ad invocare per Molière il rogo, vista la sua natura diabolica.

La colpa di Molière non era tanto quella di aver offeso la religione (c’erano altre commedie che lo avevano fatto senza suscitare scalpore) ma di aver colpito i devoti. In particolare era insopportabile il fatto che l’ipocrita, protagonista del Tartufo, non si distinguesse affatto da un vero devoto. Il Tartufo è un uomo che all’apparenza non ha nulla di diverso da un santissimo uomo ma che poi si rivela un grandissimo imbroglione. Questo aspetto non andava giù ai vertici religiosi ed ecco cosa si legge nelle Osservazioni sopra una commedia di Molière, una invettiva velenosa contro Molière di autore anonimo, scritta all’epoca del Don Giovanni:

[Molière] ha scritto Tartufo e ha voluto rendere ridicolo e ipocrita ogni uomo di fede; ha pensato di non poter difendere le sue massime se non facendo la satira di coloro che potevano condannarle. Non spetta certo a Molière parlare di devozione; con essa ha scarsa dimestichezza, non avendola mai conosciuta né in pratica né in teoria. L’ipocrita e il devoto hanno la stessa apparenza, per il pubblico sono la stessa cosa.

Dopo l’interdizione del Tartufo la compagnia si ritrovò scoperta nel cartellone e per sopperire alla lacuna creata nel repertorio Molière dovette imbastire in breve un’altra commedia di successo, che funga anche da risposta agli attacchi ricevuti. Il 15 febbraio 1665 il Palais-Royal rappresenta Don Giovanni o il convitato di pietra.

Nel prossimo articolo tratteremo in modo più approfondito il caso del Don Giovanni e come Molière sgomitò non poco per riportare alla luce il suo Tartufo.

La scuola delle mogli - trama

2012-12-07T11:45:00.000+01:00

L'École des femmes è un'opera del Molière più maturo, messa in scena per la prima volta il 26 Dicembre del 1662 al Palais Royale di Parigi. Si ritiene che la commedia avesse una vena autobiografica di fondo, infatti l'anno precedente Molière aveva sposato la giovane Armande Béjart, sorella (ma quasi sicuramente figlia) di Madelaine, l'attrice con la quale aveva intessuto una importante relazione.

Il tema di fondo de La scuola delle mogli è il contrasto tra l'irrazionalità di un uomo (Arnolfo) succube della sua gelosia e la ragione espressa da Crisaldo, che cerca di riportare l'uomo alla realtà delle cose.

Arnolfo decide di sposare una giovane educata fin da bambina alla più profonda ingenuità e semplicità. Infatti è convinto che solo le donne educate, istruite e mondane siano in grado di tradire un uomo. Invece la ragazza che sta per sposare è talmente ingenua e semplice da non poter nemmeno comprendere la possibilità di tradire. Sarà invece questa stessa ingenuità a farla cadere nelle braccia di un'altro uomo proprio perché "semplicemente" innamorata. Nel precedente articolo abbiamo visto come La scuola delle mogli provocò scandalo nella parigi dell'epoca e fu causa di non pochi problemi per Molière (come avverrà tra l'altro anche per Il Tartufo e il Don Giovanni). Ma se volessimo declinarla ai giorni nostri potremmo tranquillante vederci una stupenda commedia romantica in cui l'amore vince su tutto, in quanto sentimento genuino, viscerale, senza sovrastrutture intellettuali. Si tratta di un bellissimo esempio di ciò che dovrebbe essere l'Amore con la maiuscola: un sentimento irrazionale a cui non si può dare una spiegazione.

Di seguito una esile trama della commedia.

Arnolfo è deciso a sposare Agnese, ma il suo amico Crisaldo cerca di farlo ragionare sulla cosa: come, proprio lui che è il primo a prendersi gioco delle sventure dei mariti, vuole candidarsi a portare le corna? Ma Arnolfo difende la sua teoria sulla impossibilità di tradire da parte di Agnese a causa della sua semplicità. Intanto Orazio, figlio di un altro grande amico di Arnolfo, Oronte, si invaghisce della ragazza e dice ad Arnolfo di volerla sposare. Ma nessuno dei due sa di parlare della stessa ragazza.

Agnese ospita Orazio e quando Arnolfo lo viene a sapere si rivolge a lei domandandole cosa pensa di Orazio. La ragazza ammette di apprezzare il pretendente e il tutore decide che è il caso di sposarla subito.

Orazio racconta proprio ad Arnolfo il suo amore per Agnese, non sapendo che è proprio lui il suo prossimo marito. Quando Orazio tenta di fuggire con Agnese viene brutalmente bastonato. Arnolfo vorrebbe rinchiudere Agnese in un convento la ma scaltrezza di lei lo porteranno a soccombere e un colpo di scena finale decreterà il matrimonio tra Agnese e Orazio.

La censura nel teatro di Molière

2012-12-06T21:12:00.003+01:00

Molière ebbe non pochi problemi di censura per la messa in scena delle sue opere. Contro di lui si scatenarono violenti dibattiti e vi furono numerosi tentativi di screditamento della sua persona. Nei prossi articoli affronteremo i termini di una questione molto interessante e spinosa che faranno emergere la grandezza di Molière "uomo di teatro". Tratteremo le opere più "scandalose" e che gli diedero più problemi : La scuola delle mogli, Il Tartufo e Il Don Giovanni.

La scuola delle mogli.

L’inizio dei problemi per Molière avviene con la prima rappresentazione del La Scuola delle mogli, al Palais-Royal il 26 dicembre del 1662.
Secondo Cesare Garboli «in tutta la storia del teatro moderno non esiste documento di più lucida e oscura provocazione»[1]. La società parigina fu attraversata da una guerra a colpi di libelli satirici, di commedie di risposta e attacchi personali. Le battute che avevano scandalizzato erano oggetto delle conversazioni nei salotti.

La commedia suscitò scandalo su più piani. Fu tacciata di oscenità a causa del doppio senso di Agnese (atto I, scena V): Arnolfo scopre che la sua allieva sposa ha ricevuto un giovane in casa e che gli ha preso qualcosa. Alle insistenti domande di Arnolfo del tipo «Cosa ti ha preso?», Agnese risponde tormentata e a più riprese con un «La…» che lascia intendere un doppio senso insopportabile per le caste orecchie dei detrattori della commedia. Alla fine Agnese confessa che il giovane gli ha preso la spilla.

Inoltre ci fu anche l’accusa di empietà a causa della satira sui prontuari religiosi dell’epoca che istruivano sulla condotta da tenere per una corretta vita coniugale (atto II, scena II). Per non parlare poi della battuta di Arnolfo nella prima scena del primo atto:

Io voglio che mia moglie sia così terra terra,
Cosi tonta e ignorante che se per caso, un giorno,
Si giocasse alle rime, e qualcuno chiedesse,
«Bambina, che ci metto dentro la tua cestina?»
Lei rispondesse, pronta: «Una torta alla crema?»

Questa battuta causò a Molière uno spiacevolissimo incidente: il duca di Feuillade lo incontrò nell’anticamera del re e con la scusa di voler parlargli gli prese la testa e strofinò il viso sui bottoni dell’abito, esclamando: «Tarte à la crème, Molière, tarte a la crème» e provocandogli alcune ferite.

Ma più che lo scandalo furono le gelosie e le invidie provocate dal successo di Molière che rubava terreno e fortuna alle altre compagnie, prime fra tutte quella dell’Hôtel de Bourgogne.

A dichiarare guerra fu Donneau de Visè che nelle sue Nouvelles Nouvelles, facendo la parte di colui che si schiera al disopra delle parti, si esprime in questo modo:

l’argomento è condotto in modo quanto mai peggiore, e sono pronto a sostenere che non c’è scena in cui non si possa far vedere un’infinità di errori.[2]
Più avanti aggiunge inoltre che Molière sa descrivere così naturalmente i cornuti perché appartiene a questi ultimi.

Molière risponde alle critiche dei suoi detrattori con la migliore arma a sua disposizione, il teatro. Il 2 giugno 1663 fa rappresentare la Critica della Scuola delle mogli, una commedia in stile di conversazione tra difensori e detrattori del La Scuola delle mogli. La risposta di Molière è dunque un resoconto delle opinioni del pubblico, amico e nemico, e una difesa delle sue intenzioni e posizioni.

Gli avversari decidono di contrattaccare usando lo stesso mezzo e agli inizi di ottobre all’Hôtel de Bourgogne va in scena Le Portrait du Peintre ou la Contre-Critique de l’Ecole des Femmes di Boursault. Si tratta di un rovesciamento di posizioni rispetto alla Critica di Molière che viene ridicolizzato insieme ai suoi amici. Otto giorni dopo Molière risponde con L’improvvisazione di Versailles, rappresentata a corte tra il 16 e il 21 ottobre e poi ripresa a Parigi al Palais-Royal. Questa volta il bersaglio sono gli attori rivali dell’Hôtel de Bourgogne e Molière pone un punto fermo con parole sagge e gravi:

Lascio di buon grado a loro le mie opere, il mio viso, i miei gesti, le mie parole, i miei toni di voce e il mio modo di recitare perché ne facciano e ne dicano tutto quello che vogliono, se possono ritrarne qualche profitto. Non mi oppongo affatto a tutto questo e sarò felice se farà stare allegra la gente, ma se lascio loro tutto questo, debbono farmi il favore di lasciarmi il resto e di non toccare argomenti del genere di quelli sui quali, a quanto si dice, mi attaccavano nelle loro commedie. Di questo pregherò educatamente quel bravo signore, che si prende la briga di scrivere per loro, e questa sarà tutta la risposta che avranno da me.[3]
Seguirono numerose e spesso velenose risposte ma Molière prestò fede alle proprie parole dell’Improvvisazione e non partecipò oltre alle polemiche. Era certo dell’appoggio di Luigi XIV che gli aveva assegnato una pensione di mille lire e aveva fatto un dono di quattromila lire alla compagnia.

Ci sono altre ragioni che giustificano una polemica così aspra che si protrasse per tutto il 1663? I motivi di questa contesa furono solo di ordine morale e di principio?

I motivi erano per la maggior parte di ordine pratico e vi erano molti interessi da difendere. Con La Scuola delle mogli Molière inaugurò un conflitto di generi. Con la sua commedia metteva in seria discussione la maggiore importanza del genere tragico su quello comico. Gli attacchi di cui Molière fu vittima erano indirizzati proprio alla volontà di voler mettere la commedia sullo stesso piano del genere comico. Secondo Cesare Garboli «Molière rubava spazio alla tragedia: entrava in concorrenza con gli attori dell’Hôtel de Bourgogne»[4]. La questione è molto pratica e riguarda la corsa agli incassi e alla spartizione delle pensioni elargite dal re. Molière, uscendo dai limiti della farsa e mettendosi sullo stesso piano del genere alto della tragedia, concorreva proprio nella spartizione degli incassi e dei favori della corte.

In effetti molti attacchi vanno a colpire non tanto i temi che fanno scandalo, ma la stessa capacità di Molière nel comporre commedie, cercando di respingerlo nella categoria del farçeur.
Alla fine di questa guerra teatrale è Molière ad ottenere i maggiori vantaggi: ottiene il favore del re e la nobilitazione del genere della commedia rispetto alla tragedia. Tutto ciò si rivelerà in futuro un’arma a doppio taglio, perché quello che poteva permettersi nella farsa e che in bocca ai comici italiani non destava alcuno scalpore, trasposto in un genere alto come quello creato da Molière veniva considerato inaccettabile.

Nel prossimo articolo passeremo al Tartufo e poi al Don Giovanni.

[1] Garboli Cesare, La follia del buonsenso, in Molière, La scuola delle mogli, Teatro di Genova editore, Genova 1988, p. 22.

[2] Donneau de Visè, Novelle novelle, divise in tre parti, in Molière, La scuola delle mogli, op. cit., p. 64.

[3] L’improvvisazione di Versaglia, in Molière, Teatro vol I, Sansoni, Milano 1993, p. 599.

[4] Garboli Cesare, La follia del buonsenso, op. cit. p. 24.

Al Pacino su Iris

2012-12-05T19:53:00.001+01:00

Il blog riprende vita. Una decisione improvvisa. La Casa Stregata riprende ad essere ospitata dai suoi fantasmi, delle sue ombre. Sono passati due anni dall'ultimo post e molte cose sono cambiate, sicuramente cambierà anche l'approccio. Abbiamo parlato di Regia Teatrale, di Cinema, di Musica, abbiamo incontrato Stanislavskij, Raffaele Viviani, Mejerchol'd e tanti altri. Riprendiamo da dove abbiamo lasciato, verso strade nuove e forse anche più personali, più dissacratorie, meno istituzionali. O forse no. L'importante è riprendere. E ho intenzione di riprendere con una sorta di informazione di servizio: su Iris, canale dedicato interamente alla settima Arte, ogni Lunedì in prima e in seconda serata, stanno passando grandi film con Al Pacino, per la serie Actor Studio.

Lunedì scorso ho avuto modo di apprezzare di nuovo il grande Scarface, regia di Brian De Palma Un film strepitoso che consiglio a tutti e con un Al Pacino fenomenale nei panni del memorabile Tony Montana. Già nei mesi passati, sempre per la serie Actor's Studio, ho avuto modo di godermela alla grande con De Niro, uno dei miei attori preferiti, ora tocca ad Al Pacino.

Che dire, veder recitare Al Pacino è un piacere. Sulle righe quanto basta, una resa del personaggio a dir poco perfetta, una padronanza del corpo e dello spazio che rende vivo tutto ciò che gli sta attorno e poi un senso del ritmo che mi fa letteralmente impazzire.

Entrò all'Actor Studio di Lee Strasberg, dopo anni passati a fare ogni tipo di lavoro e dopo essere stato arrestato per porto abusivo d'arma da fuoco. Chissà, forse la vita gli ha insegnato a recitare.

Non a caso i personaggi a cui è indissolubilmente legato il suo nome sono il Michael Corleone della trilogia de Il padrino di Francis Ford Coppola, Carlito Brigante in Carlito's Way, Benjamin "Lefty" Ruggiero in Donnie Brasco, il poliziotto Frank Serpico in Serpico (1973) e il rapinatore Sonny in Quel pomeriggio di un giorno da cani, il tenente della rapine e omicidi Vincent Hanna in Heat - La sfida. Tutti personaggio indissolubilmente legati alla strada.

Basta, Al Pacino è un grande, uno degli attori del Ventesimo e Ventunesimo secolo.

Non perdetevelo.

Raffaele Viviani

2010-06-10T15:20:00.002+02:00

Raffaele Viviani è stato uno degli uomini di teatro più importanti del secolo scorso e uno dei pochi drammaturghi italiani degni di questo nome. Può essere tranquillamente affiancato (per importanza) a personalità come Antonio Petito, Eduardo De Filippo, Eduardo Scarpetta, Dario Fo, Pirandello anche se la sua fama è stata ed è nettamente inferiore. Infatti se tutti conoscono queste personalità ingombranti molti di meno hanno la se pur minima idea di chi fosse Raffaele Viviani.

Raffaele Viviani è stato un grande attore napoletano, o sarebbe meglio utilizzare il termine più moderno di performer: era infatti, oltre che attore, cantante, ballerino, acrobata. Ma le sue qualità andavano ben oltre l'uso del corpo: era anche compositore, autore di importanti e famose canzoni napoletane, poeta e, come detto in precedenza, autore di copioni teatrali. Il suo chiodo fisso era il teatro. Portava avanti il suo personalissimo progetto teatrale con un'insolita caparbietà, con la schiena dritta e lo sguardo al futuro.

Come tutti i grandi attori napoletani il suo apprendistato teatrale avvenne nell'ambito del varietà, nei teatrini più infimi e popolari dove si rappresentavano farse napoletane, per poi approdare a teatri di prosa veri e propri, con tourneè nel Nord Italia e all'estero.

Il varietà era un genere di spettacolo molto particolare caratterizzato da una serie di sketch separati tra loro. Una serata era formata da diversi numeri di canto, ballo, magia e altre forme di intrattenimento, di piccola durata e che dovevano essere fonte di attrazione per il pubblico. Nel film Roma di Fellini è possibile gustarne un esempio. Già negli anni dieci del Novecento Raffaele Viviani era una stella del Varietà, era la principale attrazione della serata con le sue caratteristiche "macchiette" (una miriade di personaggi sintetizzati a partire dalla realtà napoletana): ‘O Sapunariello, ‘O Pisciavinolo, ‘O Scupatore, ‘O Delinquente, ‘O Guappo ‘nnammurato, Totonno ‘e Quagliarella, ‘O Scugnizzo e tanti altri.

Le cose cambiarono con la Prima Guerra Mondiale e il clima luttuoso all'indomani della disfatta di Caporetto (Ottobre-Novembre 1917) portò a vere e proprie campagne contro il teatro di Varietà, troppo frivolo e gioioso per il tragico momento. Raffaele Viviani fu costretto alla metamorfosi e creò un teatro tutto suo, generato attraverso un ponte tra il Varietà e il teatro di prosa. Inizio a scrivere atti unici in cui un esile filo conduttore riuniva i suoi personaggi, le sue macchiette. Passò da una drammaturgia dell'attrazione (numeri singoli separati tra loro) a una drammaturgia dell'azione (quegli stessi numeri infilati in una successione temporale). Ciò che ne venne fuori fu un teatro inedito e inimitabile composto da prosa, poesia e canto tutto sostenuto da tempi e ritmi precisi. L'opera inaugurale di questo nuovo genere fu O' Vico (Il vicolo), un atto unico in cui vine mostrato un segmento di vita napoletana, con i vari personaggi che entrano ed escono, come meteore: L'acquaiuolo, 'O guappo 'nnammurato, Lo spazzino, Ferdinando 'o cane 'e presa. Passò così al genere considerato più importante del teatro di prosa, formò una compagnia maggiore e il lavoro divenne frenetico. Nel 1919 scrisse e rappresentò undici atti unici.

Raffaele Viviani era un direttore di attori molto esigente e meticoloso. Curava tutto nei minimi dettagli, le scenografie, i costumi, il trucco. La composizione dei suoi testi esigevano una rappresentazione precisa nei ritmi, nelle entrate e nelle uscite, nella velocità delle battute. Tutto era provato e riprovato e non c'era nessuno spazio per l'improvvisazione. Gli attori dovevano sapere la parte a memoria. Tutto ciò era per l'epoca un insieme di novità di rilievo, che fanno di Raffaele Viviani uno dei primi esempi di regista nel teatro italiano.

Perchè l'uomo è così altruista?

2009-10-26T22:02:00.005+01:00

A leggere il titolo di questo articolo molti penseranno: "Altruista chi?". In effetti parlare di altruismo nel mondo in cui viviamo può suonare un pò stonato. La maggior parte di noi crede di vivire in una giungla in cui arriva in alto chi sgomita di più, chi è abile nel fare le scarpe agli altri, chi è più furbo...e forse è così, posto che andare in alto significhi avere i soldi.

L'altruismo di cui parlo è però di tipo congenito al genere umano e riguarda la sua vocazione all'eredità. La mia domanda è questa: perchè l'uomo sente questa necessità di lasciare qualcosa ai posteri? Perchè si affanna per produrre cose che restano? Non è strano che pur avendo la preziosa coscienza di campare poco, si preoccupa così tanto di lasciare cose che ci sopravvivono? Che vuoi che siano ottanta, cento anni rispetto all'eternità.

Gli animali che non sanno di dover morire vivono alla giornata, l'uomo che dovrebbe avere la coscienza del valore del presente, si affanna per il futuro...un futuro che va bene oltre la propria vita. E molti vivono male. Prendete i taccagni per esempio. Non ricordo chi disse"Il tirchio è colui che vive in miseria per paura della miseria". Chi accumula ricchezze sa bene che dopo la sua morte saranno altri a godersele. E quindi? Perchè l'uomo non vive alla giornata? Perchè si preoccupa così tanto per il futuro? Davvero crediamo che cento anni siano tanti (non considerando il fatto che potremmo morire anche domani)?

Capitano a fagiuolo le parole di Groucho Marx "Perchè dovrei fare qualcosa per i posteri? Cosa hanno fatto loro per me?

Perchè questo blog è alla deriva.

2009-09-18T22:30:00.004+02:00

Coloro che sono in più stretto contatto con questo blog hanno facilmente notato che non viene più aggiornato da un bel po' di tempo...è abbandonato, lasciato alla deriva.

Gestire un blog richiede una grande costanza, ogni giorno bisogna aggiornare i contenuti.

La mia resistenza è stata fortemente messa alla prova da un lutto importantissimo che mi ha allontanato da tutte le attività non strettamente indispensabili e che richiedono concentrazione e costanza e voglia.

Ora pian piano si riprende a girare ma ancora non sò se riprendere a pubblicare come prima, se lasciare il blog così com'è o se chiuderlo addirittura.

Si deve prima riacquistare la voglia necessaria, poi si vedrà.

L'improvvisazione in teatro non esiste.

2009-08-01T15:52:00.008+02:00

Cos'è l'improvvisazione? Cosa significa quando si dice che un attore sta improvvisando?

In questo articolo tenterò di spiegare la falsità del termine "improvvisazione" almeno nella sua accezione più comune e si arriverà ad affermare che un attore non improvvisa mai. Nemmeno gli attori della Commedia dell'Arte improvvisavano.

Di solito si intende con "improvvisazione" la creazione estemporanea di un testo che non è stato precedentemente scritto. L'attore riesce a creare e riprodurre le parole del suo personaggio potremmo dire "in diretta", davanti allo spettatore. Di solito l'attore capace di improvvisare viene considerato di grande qualità, perchè si ritiene che la capacità di improvvisare sia quasi innata, dovuta alla particolare genialità, all'esplosivo talento di un attore.

Ecco la definizione del termine "improvvisazione" presa da Wikipedia (che rappresenta il pensiero più generico possibile): "Per improvvisazione si intende – in senso generico - l’atto di creare qualche cosa mentre la si esegue, in maniera spontanea o casuale".

Questa definizione è falsa in ogni suo punto.

Bisogna sostituire il termine improvvisazione con quello di "montare". Mi spiego trattando il caso degli attori della Commedia dell'Arte, cioè il teatro all'improvviso per eccellenza.

Nella Commedia dell'Arte l'improvvisazione era una necessità. Siccome con il teatro ci campavano, dovevano essere in grado di mettere su uno spettacolo in un lasso di tempo brevissimo. Il principio era quello del minimo tempo da dedicare alle prove, anzi di non provare affatto. Solo così si poteva andare in scena velocemente e a ripetizione e poter guadagnare di più. Gli attori dovevano quindi essere capaci di andare in scena senza nulla di predeterminato, senza un testo da mandare a memoria. Come poteva accadere tutto ciò? Erano degli esseri superdotati? Niente di tutto ciò.

Avevano semplicemente un grandissimo bagaglio di scenette, situazioni, lazzi che riuscivano a montare secondo le esigenze della scena. Improvvisare consisteva nello scegliere di volta in volta, scena dopo scena quale pezzo, quale battuta, quale lazzo eseguire.

Era un'arte che si apprendeva direttamente sulle assi del palcoscenico, fin dalla più tenera età. Era un'arte che maturava con l'esperienza e con la pratica costante. Non c'era quindi nè creazione spontanea, nè tanto meno casuale.

Veniva utilizzato un cavovaccio che ripèroduceva sinteticamente la struttura della commedia da rappresentare. C'erano indicate le entrate e le uscite e le situazioni da rappresentere.

Ecco come comincia il canovaccio di "Il vecchio geloso" di Flaminio Scala:

Atto primo

ORAZIO racconta a Flavio, suo amico, esser venuto in quella villa per l'amor ch'egli porta a Isabella, moglie di Pantalone, essendo da lei riamato, e come Pedrolino. suo servo, è consapevole dell'amor loro, e di nmon averla mai goduta; ma che Isabella ha promesso di sodisfarlo, con la occasione d'esser alla villa. Flavio dice aver buon mezzano, e che non dubiti;

In base a queste indicazioni l'attore già sapeva come comportarsi, come relazionarsi all'altro attore, come dargli la battuta. Il suo bagaglio teatrale conteneva quelle scene da realizzare. Naturalmente più l'attore aveva esperienza, più il suo bagaglio era fornito e raffinato e la sua arte si faceva meno grossolana e rozza.

"Into The Wild", "Grizzly Man" e "I diari della motocicletta".

2009-07-29T23:34:00.003+02:00

I tre film che ho indicato nel titolo gli ho visti di recente e offrono riflessioni sul tema del viaggio, della fuga dalla società e della solitudine come scelta di vita. Molti di voi gli avranno visti, si tratta di film usciti di recente con un’ampia diffusione. I film sono: Into the Wild, Grizzly Man e I diari della motocicletta. Son tre film che hanno in comune il fatto di essere basati su vicende e persone realmente esistite, che pongono la natura e le sue manifestazioni quasi come personaggio a sé, determinante nella riuscita e nella bellezza della pellicola. Tre film che rendono a pieno se visti al cinema, con schermi molto grandi (varrebbe per tutti i film, ma in questi in particolare).

Più che parlare dei film parlerò delle vicende rappresentate, delle scelte che i personaggi hanno compiuto e di ciò che possono significare per noi.

Into The Wild è la ricostruzione della storia di Christopher Johnson McCandless, conosciuto anche come Alexander Supertramp. La sua è la storia di un viaggio durato due anni, tra gli Stati Uniti e il Messico del Nord e finito tragicamente nel 1992 in Alaska.

Grizzly Man è un documentario basato sulle 100 ore di riprese che Timothy Treadwell ha eseguito durante le tredici estati trascorse tra gli orsi Grizzly dell’Alaska. La sua storia finisce nel 2003, quando viene sbranato da un orso.

I diari della motocicletta è la ricostruzione del celebre viaggio nell’America del Sud intrapreso dal giovane Ernesto “Che” Guevara e dall’amico Alberto Granado.

Grizzly Man e Into The Wild sono molto più vicini tra di loro rispetto a I diari della motocicletta. Hanno innanzitutto in comune l’ambientazione: la magica Alaska. Poi la fine tragica dei protagonisti. Il primo è però un documentario, il secondo una ricostruzione. Into The Wild ha invece in comune con I diari della motocicletta il tema del viaggio “on the road”, aspetto che in Grizzly Man è molto più attenuato.

Quello che più mi ha interessato è il fatto che tutti e tre i film presentano scelte di vita radicali, gesti esemplari e ricchi di senso. La scelta di Chris McCandless è quella di isolarsi dal mondo civile, fatto di bisogni per lui fin troppo esteriori da poter essere messi al primo posto nella sua scala delle priorità. Sceglie di andarsene, di mettersi in viaggio e stabilirsi in un luogo isolato e ostile. Timothy Treadwell compie la stessa scelta: per un periodo dell’anno taglia i ponti con il mondo e va a vivere solo con gli orsi (poi in realtà lo seguirà la sua compagna, che morirà con lui). Ernesto Guevara e Alberto Granado partono per un lungo viaggio a bordo di una motocicletta scassata. Si abbandona la propria terra per inoltrarsi nell’ignoto di un’esperienza che segna profondamente e che è carica di un alone direi mistico. Come non pensare a San Francesco quando McCandles si spoglia di tutti i suoi averi e dona i suoi 24.000 dollari di risparmi all’Oxfam International. Treadwell tenta di stabilire un rapporto del tutto inedito con la natura e gli orsi, vorrebbe essere uno di loro e alla fine viene divorato e questa morte ha il senso di un sacrificio, di un rito.

Esperienze di viaggio del genere sono completamente diverse da come siamo abituati ora a viaggiare: andiamo all’aeroporto per prendere un aereo che ci porta direttamente da un punto A a un punto B del globo terrestre. Dopo aver visitato il punto B seguendo gli itinerari turistici riprendiamo l’aereo per tornare nel punto A e molestare parenti e amici con le foto della gita (non chiamiamola viaggio). C’è poi il particolare delle cartoline che arrivano dopo il corpo di chi le ha spedite, sono totalmente inutili.

Per Ernesto Guevara la lettera era l’unico modo per comunicare con la famiglia. Il viaggio “on the road” è di tutt’altra natura. Si lotta per sopravvivere in un continuo sprezzo per la salvaguardia del proprio corpo. La meta da raggiungere è ad ogni passo, ad ogni palmo di terra calpestato. La meta è nel tragitto.

Un altro aspetto fondamentale è la scelta della solitudine. McCandless non cerca un compagno di viaggio. Taglia completamente i ponti con gli amici e la famiglia. Stringe solo brevi e intense amicizie con chi incontra per strada. La sua vita è nel viaggio. Treadwell è solo con gli orsi…come a voler suggerire che quelle bestie feroci sono migliori degli uomini.

Scelte di vita del genere e viaggi del genere erano frequenti in passato, basti pensare alla generazione beat e a Kerouac. Per non parlare dei viaggi incredibili dei naturalisti dell’800, Darwin primo fra tutti.

Ora sono pochi capaci di imprese simili. Il viaggio deve essere comodo. Vorrei ricordare che esistono dei treppiedi che ti reggono la busta dell’immondizia quando sei in campeggio…non si fa prima a starsene a casa?

L’Eminem francese escluso dal festival.

2009-07-27T15:12:00.002+02:00

Il rapper Orlesan, considerato l’Eminem Francese è stato escluso all’ultimo momento dal Les Francofolies Festival, uno dei più importanti festival musicali della Francia. Il Festival si è svolto dal 10 al 14 Luglio a La Rochelle, nella parte occidentale della Francia. Era prevista anche la partecipazione di Orlesan ma gli organizzatori hanno cambiato idea dopo una lettera di Ségolène Royal, che governa la regione in cui si svolge il festival. I motivi derivano dai testi violenti e osceni delle canzoni di Orlesan. Il dibattito è acceso: è giusto censurare artisti come Orlesan? C’è un limite alla creatività e alla libertà di espressione?

Anche se questo diritto è sancito dalle costituzioni dei paesi democratici, molto spesso viene palesemente ignorato. Il caso di Orlesan sembra essere uno di questi. La sua fama è legata ad una canzone il cui video ha spopolato su youtube nel marzo di quest’anno: Sale Pute (“Sale” sta per sporca, “Pute” per puttana). Si tratta di un brano ricco di offese alle donne, pieno di parolacce e offese nei confronti del gentil sesso. Nel video Orelsan impugna una bottiglia vuota di whisky e canta le seguenti parole (traduzione in inglese):

You’re just a slut, slut, slut...
If I break your arm, consider that we parted on good terms

I hate you,
I want you to die a slow death,
I want you to get pregnant and lose the baby
We’ll see how you manage when your legs are broken, sweetie
I want to see you go back burning in flames”

“You are just a pig who should go straight to the slaughter house
I am going to get you pregnant
and then abort you with a shepherd’s knife

Questa canzone ha naturalmente suscitato le proteste delle associazioni femministe e la richiesta di eliminare il video da youtube. Orelsan si difende sostenendo che si tratta di roba vecchia di due anni e riferita ad una amore finito male. Non era sua intenzione incitare alla violenza sulle donne.

La materia è delicata perché va a toccare direttamente la libertà di espressione. C’è un limite a questa libertà? Se c’è, chi è a decidere questi limiti? E’ giusto che siano le autorità a scegliere cosa sia giusto e cosa sbagliato?

L’atteggiamento del’autorità è un po’ quello del genitore, del padre che per il bene del figlio gli dice cosa è meglio ascoltare e cosa invece no. Il cittadino ha bisogno di questa protezione? E’ giusto negare il palcoscenico a artisti come Eminem, Manson o Orlesan? Sono davvero elementi così minacciosi per la società?

La censura musicale in Italia. La religione.

2009-07-26T16:03:00.006+02:00

Negli scorsi articoli abbiamo preso in considerazione alcuni importanti casi di censura nella musica italiana riferiti alla sfera del sesso e della politica. In questo articolo tocchiamo il tema delicato della religione. In un paese come l'Italia, che ospita la sede papale e che ha una storia legata indissolubilmente alla chiesa, le corde che riguardano la fede e la religione sono molto tese e basta un nulla per farle vibrare pericolosamente. Vedremo che i censori intervengono in modo spesso ridicolo e inspiegabile, spesso dove non serve affatto.

Negli anni sessanta basta poco per essere tacciati di offesa alla religione: Tony Dallara ha dovuto sostituire "Ave Maria" con Anima mia" in La Novia. Nel 1963 Don Backy partecipa al film con Totò Il monaco di Monza e canta in duetto con Celentano La carità. Il brano viene epurato da radio e tv perché in quella scena Celentano e Don Backy erano vestiti da frati e ballavano.

Un caso di censura famoso è Dio è morto di Guccini. Il caso è emblematico: i censori della RAI evidentemente si fermarono al titolo e alla prima strofa "ai bordi delle strade, nelle auto prese a rate, nei miti dell'estate Dio è morto" e decisero l'inevitabile oscuramento. La Radio Vaticana invece la trasmette perché evidentemente lì le canzoni le ascoltavano e i versi successivi "se muore è per tre giorni, e poi risorge, in ciò che noi crediamo, Dio è risorto, in ciò che noi vogliamo Dio è risorto" non vengono considerati blasfemi.

Un caso simpatico è quello dei Dik Dik che avevano tradotto la canzone di Neil Diamond If I Were A Carpenter che in italiano era diventato Se io fossi un falegname. Vietato accennare alla figura di Cristo. Il verso "Se io fossi un falegname e tu ti chiamassi Maria" deve diventare "Se io fossi un falegname e tu una signora". Per non parlare di Baglioni e della terribile frase "Dio, tu stai nascendo e muoio io" in Notte di Natale. Ma che c'è di male?

Nel 1971 viene censurata la canzone di Lucio Dalla 4/3/1949. Il titolo originale era Gesù Bambino. Inoltre i versi "Adesso Bestemmio e bevo vino/Per i ladri e le puttane mi chiamo Gesù Bambino" diventano "Adesso gioco a carte e bevo vino/ Per la gente del porto mi chiamo Gesù Bambino". Anche il verso "Giocava alla Madonna con un Bimbo da Fasciare" fu tramutata in "Giocava s far la donna con un bimbo da fasciare".

Nel 1978 Enrico Ruggeri non poteva proprio chiamare una canzone Paparock e in copertina il titolo viene oscurato dalla scritta "testo censurato" e la parte cantata viene resa incomprensibile in fase di missaggio. Probabilmente fu una provocazione.

La censura musicale in Italia. La politica.

2009-07-19T23:51:00.003+02:00

Dopo aver parlato dei casi di censura in Italia legati alla sfera sessuale passiamo alla politica. Tralasciamo gli anni del fascismo in cui Luis Armstrong veniva tradotto con Luigi Braccioforte e Benny Goodman con Beniamino Buonuomo (e David Bowie sarebbe stato Davide Bove) e in cui tutta la musica americana e quindi il jazz non venivano messi in onda e iniziamo dagli anni Sessanta. L’Italia è diventato ormai un paese democratico ed ha cavalcato il suo boom economico.

Giorgio Gaber con la canzone Il coscritto presentava un giovane fin troppo riluttante a servire la patria perché in paese lo aspettava la ‘morosa. Censura e seguito di polemiche in parlamento.

Nel 1966 avviene la famosa censura politica alla canzone che ha portò al successo Gianni Morandi, C’era un ragazzo che come me amava i Beatle e i Rolling Stones. Ci fu un’interrogazione parlamentare a causa del verso “Mi han detto vai nel Vietnam e spara ai Vietcong” accusato di criticare la politica “estera di un paese amico come gli Stati Uniti”. Ma il verso sostitutivo era forse più incisivo e provocante dell’originale: “Mi han detto vai nel tatatà e spara ai tatatà”, furono sostituite le parole scomode con il verso della mitragliatrice.

Per chi conosce il passato di Demetrio Stratos nei Ribelli sicuramente conoscerà la canzone Pugni Chiusi. Qualcuno sorriderà alla notizia che in realtà il titolo sarebbe dovuto essere Pugno Chiuso, con un orientamento facile da intuire.

Un esempio dell’assurdità della censura dell’epoca: I Giganti furono esclusi dal Cantagiro a causa di una canzone Io e il presidente che con il verso Oggi non sei niente e domani sei Presidente”, esprimeva il concetto, sancito dalla Costituzione, che chiunque può aspirare a quella carica.

Un altro esempio è ai limiti del ridicolo: il 1970 fu l’anno della legge sul divorzio e Franco Franchi fu costretto a modificare i versi “Appena ‘a legge approvano i’ voglio divorzià”. Però il titolo della canzone resto lo stesso ‘O divorzio. Sempre in tema di divorzio il caso di Gigliola Cinquetti oltrepassa di gran lunga il ridicolo: fu bloccato l’Eurofestival perché la sua canzone dal titolo Sì, poteva sembrare un’indicazione di voto.

Nel 1978 tocca a Patti Pravo e a Rino Gaetano: il brano Miss italia conteneva troppi attacchi alla Democrazia Cristiana e Nun te reggae più un elenco troppo offensivo di personaggi politici. In seguito furono aggiunti anche personaggi della tv e della mondanità.

Nel 1980 venne boicottata la canzone di Gaber Io se fossi Dio. Si tratta di un lungo talking blues pieno di invettive ai partiti e ai politici. La che colpisce di più è sicuramente quella su Aldo Moro, ucciso solo due anni prima dalle brigate Rosse: “Io se fossi Dio avrei ancora il coraggio di dire che Aldo Moro insieme a tutta la Democrazia Cristiana è il responsabile maggiore di trent’anni di cancrena italiana”.

Arriviamo ad anni più vicini a noi: primo maggio 1991, salgono sul palco del mega concerto Elio e le storie Tese e iniziano a suonare Cara ti amo, ma è solo una finta, ben presto inizia un’invettiva contro alcuni scandali politici dell’epoca con tanto di nomi e cognomi. La regia interrompe la diretta con delle interviste.

Nel 2004 il concerto del primo maggio fu mandato in differita invece che in diretta. L’anno precedente, poco dopo l’invasione dell’Iraq, Daniele Silvestri e Meg dei 99 Posse fecero dichiarazioni ostili alla guerra e al governo. Meglio avere un po’ di tempo per riparare a eventuali guai del genere.

La censura della musica in Italia. Il sesso.

2009-07-18T20:07:00.006+02:00

Come ha funzionato e funziona tutt’ora la censura musicale in Italia? Chi censurava e censura? Quali canzoni famose sono state oggetto di tagli più o meno importanti? Cosa si censurava e perché? Negli anni Cinquanta e Sessanta l’Italia era (lo è ancora?) un paese estremamente bigotto e per rendersene conto basta dare un’occhiata al bellissimo documentario di Pasolini, Comizi d’amore, del 1963. Quando le canzoni si spingevano troppo nell’ambito del sesso, della religione e della politica le forbici intervenivano per la salvaguardia delle orecchie degli italiani. Famoso il caso di Questo piccolo grande amore di Baglioni che nel 1972 fu costretto a cambiare i versi “la paura e la voglia di essere nudi” in “la paura e la voglia di essere soli”.

In Taboo Italia, postfazione di Marco Masoni a Taboo Tunes di Blecha Peter, (Arcana, 2005) si legge di come negli anni Cinquanta, presso la RAI, una speciale Commissione d’Ascolto era molto laboriosa nell’indicare quali canzoni potevano passare e quali no, oppure che modifiche bisogna apportare per rendere le canzoni inoffensive per le delicate orecchie degli italiani. L’atteggiamento di questa forma di potere era di tipo paternalistico: decideva cosa era migliore per l’educazione dei propri bambini. Tutto ciò che poteva essere sconveniente per i sani principi cattolici degli italiani zac!

Non era chiari quali fossero i criteri di giudizio e le censure raggiunsero spesso forme deliranti e ridicole. Come spiegare la censura di Alice di De Gregori, nel 1973, nel verso “il mendicante arabo ha un cancro nel cappello”? Non si poteva parlare di tumori? Perché fu censurata Canzone per un’amica di Guccini? Parlare del fatto che si muore sulla strada poteva disincentivare l’acquisto di automobili? Poteva frenare gli esodi per le vacanze?

I censori si preoccupavano in particolare per i costumi sessuali degli italiani. Le frasi che potevano eccitare quella corda sensibilissima erano oggetto di una censura feroce. Il primo esempio riguarda Renato Carosone che nel 1955 gli furono rifiutate radio e tv per i versi “Che bella pansé che tieni, che bella pansé che hai, me la dai? Me la dai? Me la dai la tua pansé?”

Nel 1964 fu censurata Lu primmo amore di Toni Santagata per colpa della parola “corna” e A casa di Irene di Nico Fidenco perché ricordava le case chiuse. Anche Albergo a ore di Herbert Pagani fu censurata a causa dell’eccessivo squallore.

Oscuri sono i motivi della censura di Dio mio no di Battisti: forse perché non è accettabile che l’iniziativa parta da un uomo? O per i versi “La sento mi chiama, la vedo in pigiama, potremo restare soli”?

I versi di Cocciante in Bella Senz’anima “E quando a letto lui ti chiederà di più” furono sostituiti nel 1974 con “E quando un giorno lui ti chiederà di più”.

Il caso di Mina è interessante perché nel 1974 fu censurata per l’esecuzione di una canzone: durante la sigla finale del varietà Mille e una luce mina canta la canzone Ancora ancora e mentre canta i versi del titolo si passa con eccessiva sensualità la lingua sulle labbra. Il regista è costretto a evitare i primi piani e a moltiplicare sul monitor il suo volto per rimpicciolirlo.

Nel 1977 Venditti si vide costretto a sostituire il verso “quella del primo banco che l’ha data a tutti meno che a me” di Compagno di scuola in “filava tutti meno che te”.

Nel prossimo articolo vedremo i casi di censura politica.

Mostra di teatro giapponese alla Casa dei Teatri, Roma.

2009-07-17T12:51:00.002+02:00

Fino al 6 settembre è possibile visitare una bella mostra dal titolo “Il fiore del meraviglioso”, a cura di Yosuke Taki. Questo allestimento racconta attraverso immagini e filmati la straordinaria cultura teatrale giapponese. Per visitare la mostra bisogna recarsi alla Casa dei Teatri, che è situata a Roma, all’interno di Villa Doria Panphilj, nello storico villino Corsini. Questa struttura è molto importante per chi si occupa di spettacolo dal vivo, sia per le mostre che vengono costantemente allestite, sia per la biblioteca dedicata e anche per “L’immemoriale di Carmelo Bene”.

La mostra è molto interessante, anche se non si sviluppa su uno spazio molto grande. Le cose che mi hanno più attirato sono la bacheca con le maschere e il costume nella sala dedicata al Nō e al Kyōgen. I filmati riprodotti in schermi da 17-19 pollici (a occhio), sono per molti versi eccezionali e testimoniano quasi direttamente una cultura spettacolare ignota al grande pubblico che nel corso del Novecento ha stimolato le idee e il lavoro di grandi uomini di teatro occidentali.

Descrivere una mostra del genere mi sembra quasi inutile…anche perché essa stessa è testimone visivo di una forma spettacolare a cui bisognerebbe assistere. Con questo articolo non voglio fare il terzo testimone, sbiadendo ancora di più l’immagine originale, voglio solo informare dell’esistenza di questa mostra…chi si trova a Roma farebbe bene ad andarci.

In formazioni più dettagliate le potete trovare sul sito della Casa dei Teatri a questo indirizzo.

L'arte folle di Remi Gaillard

2009-07-16T21:20:00.006+02:00

Grazie al consiglio di Renato (che ringrazio) mi sono imbattuto nel canale youtube dell'umorista francese Remi Gaillard. Si tratta di una serie di performance al limite dell'arresto, durante le quali questo bizzarro e a tratti geniale individuo si macchia di numerose infrazioni alle più elementari regole del codice di convivenza sociale.

Credo che il succo del suo lavoro sia proprio questo: un continuo e provocatorio attentato alla tranquillità della vita comunitaria.

Pensereste mai di rischiare di essere spinti in acqua da un tizio in costume da canguro? Oppure di essere il bersaglio di un calcio piazzato nel bel mezzo di Parigi?

Remi Gaillard non conosce decenza, non si tira indietro davanti a nulla...solo una volta di fronte, o meglio dietro, una suora...ha evitato di cavalcarla nel filmato in cui salta addosso al primo malcapitato e imita un rodeo. Se non si fosse fermato, avrebbe suscitato la mia ammirazione...ma la suora era piuttosto esile, le avrebbe fatto male.

Quello che mi ha colpito è che non si tratta del solito provocatore che per realizzare video per youtube non trova modo migliore che dare fastidio alla gente. Nelle sue performance ci sono spesso intelligenti trovate artisticamente interessanti. Lo si potrebbe quasi considerare un artista di strada.

Dopo aver visto i suoi video (basta digitare "remi gaillard" su you tube) riflettete su questo aspetto e datemi ragione o torto: le sue azioni vengono tollerate da noi che vediamo i suoi video, non pensiamo che dovrebbe essere multato o peggio arrestato. Sia perché ci fa sorridere e meravigliare, ma anche perché intravediamo nelle sue performance un qualche substrato artistico. Le sue azioni vengono tollerate come se fossero compiute da un uomo insano di mente. Se uno è pazzo è quasi naturale che non conosce regole sociali. Ma Gaillard non è pazzo, è un artista.

Arte, follia.

Link a uno dei video che preferisco.

SCIOPERO

2009-07-14T15:29:00.000+02:00

Niccolò Paganini: il violino del diavolo.

2009-07-13T15:14:00.004+02:00

Il fenomeno delle star, delle “vedette”, dei divi non è esclusiva della nostra società dello spettacolo. Anche in passato ci sono stati casi di personaggi del mondo dell’arte (in particolare della musica) che erano oggetto di culto da parte del pubblico. Nella musica questo fenomeno raggiunse l’apice nell’800, durante il romanticismo ed era legato al fenomeno del virtuosismo. Il tratto fondamentale era il fatto che la fortuna dei divi dell’epoca dipendeva sia dalla irripetibile maestria nel suonare il proprio strumento, sia dalla cura di aspetti particolari della propria persona che attiravano l’attenzione e l’interesse della gente comune, portando ad una vera e propria feticizzazione del corpo dell’artista. In questo articolo tratterò il caso straordinario di Niccolò Paganini.

Niccolò Paganini è stato il più grande violinista dell’Ottocento. Era dotato di una tecnica straordinaria e le sue composizioni erano considerate ineseguibili da un altro violinista. Era velocissimo, compiva salti melodici di diverse ottave, eseguiva lunghi passi con accordi che coprivano tutte e quattro le corde, alternava velocemente note eseguite con l’arco e note pizzicate alla mano sinistra. Eseguiva anche misteriosi e spettrali armonici artificiali. Ogni tecnica era portata all’eccesso e le sue violente esecuzioni finivano quasi sempre con la volontaria e progressiva rottura delle corde e la conclusione del concerto sull’unica corda superstite, quella di sol.

Oltre che questa forte componente virtuosistica, a determinare il suo successo era anche il forte alone di mistero che circondava la sua figura. Si diceva, per esempio, che avesse ucciso un rivale in amore e in prigione gli era stato concesso di suonare il violino. Naturalmente, con il passare del tempo, perse tutte le corde, tranne quella di sol, e fu costretto a suonare solo su quella corda Da questo aneddoto si faceva derivare la sua particolare bravura sulla corda di sol. Un aneddoto ben più fantasioso e inquietante è quello che diceva di come Paganini ricavasse le corde del suo violino dalle viscere delle sue vittime.

La figura di Paganini era collegata a Satana: si diceva che avesse stipulato un patto con il diavolo per poter suonare in quel modo. In generale il violino stesso era considerato lo strumento del diavolo. Questa associazione con il diavolo era aiutate dalla sua immagine: era scarno, a causa della sifilide, vestiva interamente di nero. Il viso cereo e gli occhi rientrati nelle orbite. Aveva perso tutta la dentatura a causa del mercurio somministrato per curare la sifilide e la bocca gli era così rientrata e naso e mento si erano avvicinati (come i vecchi senza dentiera). Quando Paganini suonava sul palcoscenico doveva davvero sembrare ad uno scheletro in frack con un violino incastrato sotto la mascella.

Nonostante la sua brutta figura ebbe moltissime amanti.

Grazie a tutte queste caratteristiche, l’immagine di Paganini era molto attraente e tutti accorrevano a sentirlo, o forse solo a vederlo. Ebbe un grande successo locale e internazionale. La sua apparizione faceva lievitare il prezzo del biglietto d’ingresso e la sua immagine era sfruttata per la vendita delle “caramelle Paganini”. Era in poche parole una “star”.

Tutto ciò potrebbe naturalmente stimolare l’idea che la sua fama era dovuta più all’immagine e al suo virtuosismo che al suo talento artistico nei panni di “creatore”. Ma ciò non è vero perché le sue composizioni sono comunque molto originali e profonde.

Una settimana senza internet.

2009-07-12T22:06:00.002+02:00

I miliardi di seguaci di questo blog si saranno chiesti con un groppo in gola e le lacrime agli occhi il motivo dell'assenza di articoli a partire dal due luglio. Cari fan, la colpa è stata tutta di un fulmine! Già, proprio un fulmine.

Era una giornata grigia e tempestosa d'inizio estate quando un fulmine mi ha sfasciato la scheda di rete del computer...potevo comprarne un'altra per pochi euro...ma ho aspettato di mettere le mani su un'altro computer che aspettava di essere smontato...il risultato è stata una settimana senza internet...per colpa o grazie ad un fulmine.

Ma ora come potete ben notare il danno è riparato e il blog riprende la sua normale attività...

Beautiful: la serie tv postmoderna.

2009-07-02T21:44:00.007+02:00

Oggi mi sono trovato a vedere una puntata di Biutiful. Nell’ultima puntata che avevo visto, mesi fa credo, c’era Rigge Forrestere che con lucida determinazione affermava di aver staccato la spina al padre, ormai cerebralmente morto. Oggi il vecchio Forrestere si aggirava tranquillamente nello schermo, ma non era un fantasma. Ma sono note le acrobazie della sceneggiatura di Biutiful. Ho notato una Teilor veramente brutta, si è rifatta e ha cambiato i connotati.

I personaggi di Biutiful sono quasi tutti plastificati ormai, eternamente giovani, fermi nel tempo. Solo la vecchia lì, si è da tempo arresa ai capelli bianchi. Non condivido questa scelta…se plastica deve essere, che plastica sia! Questo perché, forse non volendo, Biutiful è diventato una serie tv all’avanguardia, oserei dire postmoderna…è una continua celebrazione dell’uomo bionico, le mutazioni fisiche degli attori non hanno nulla da invidiare ai più estremi bodyartist…Teilor davvero mi fa pensare a Mattew Barney…Oggi poi c’è stata una lotta sovrumana tra due ercoli, tra Rigge è un fulgido biondone, ho provato molta apprensione per le protesi facciali di Rigge, attimi di vera paura.

"Giotto o non Giotto" di Dario Fo: cacciato da Assisi.

2009-07-01T15:57:00.007+02:00

Il vescovo di Assisi, Domenico Sorrentino, si è rifiutato di far rappresentare lo spettacolo di Dario Fo Giotto o non Giotto. I motivi? La lezione-spettacolo su Giotto di Dario Fo porta avanti la tesi che il famoso ciclo della basilica superiore non sia opera di Giotto. Il vescovo ha spiegato che non vuole più rappresentazioni davanti alle due basiliche di San Francesco. Parole pronunciate mentre si montava un palco proprio sul piazzale per ospitare una serata con Renato Zero e dei comici. “Saranno stati comici qualunquisti” ha commentato Dario Fo che ha anche affermato : “Questo è il segno dei tempi. E’ davvero un’espressione di quel retrivo conservatorismo culturale per il quale ogni alterazione dello status quo diventa un atto di blasfemia”.

La tesi proposta da Dario Fo non è del tutto inedita: era infatti già stata avallata da Bruno Zanardi che attribuiva la maggior parte dei 28 riquadri del ciclo al pittore romano Pietro Cavallini. Dario Fo si basa in particolare sul fatto che Giotto era troppo giovane per poter ottenere un incarico del genere e che lo stile fa pensare per molti versi proprio alla mano del cavallini: “Basti pensare alla tecnica di stesura del colore, alle ombre, alle velature, all’uso dell’appretto”.

Che Dario Fo abbia ragione o meno è questione da lasciare agli storici dell’arte, ai restauratori, agli addetti ai lavori insomma. Quello che ovviamente attizza la discussione è il fatto che la paura di perdere una così importante “attrazione” porti un vescovo a cancellare un evento culturale di quella portata. Si tratta pur sempre dello spettacolo di uno dei più grandi attori del Novecento, nonché premio Nobel. Si tratta di censura bella e buona.

Giotto e San Francesco sono le due “All Stars” che illuminano Assisi. Quanti pellegrini ogni anno partecipano al bilancio (presumo fortemente in attivo) di questi frati particolarmente devoti alla miseria e alla povertà?

Non devono offendersi i credenti se uso parole così sarcastiche: devono prendersela principalmente proprio con quei frati che sfruttano la fede del loro maestro per fini di lucro.

Parlo così perché ad Assisi ci sono stato ed o visto cose…

Frati trasformati in bigliettai dietro biglietterie a staccare biglietti. Per cosa? Per far dire una messa ai propri defunti per la modica cifra di 10 euro (offerta minima).

Basilica inferiore, tomba di San Francesco. Dietro una simbolica offerta si può prendere un cero, portarlo da un punto A ad un punto B (5-6 metri di distanza), e riporlo in un apposito cesto. Senza accenderlo per motivi di sicurezza. Non devo spiegare che è inutile prendere un cero senza accenderlo perché è proprio la luce il simbolo importante. Inutile per il fido fedele certo.

E Dario Fo voleva andare lì a dire che Giotto non c’entra niente?

Come dire che a Parigi, al cimitero di Père-Lachaise, sotto la tomba con il nome “Jim Morrison”, in realtà è sepolto Cristiano Malgioglio.

Pina Bausch è morta.

2009-06-30T20:45:00.003+02:00

Una danzatrice, una coreografa, una regista.

"si esplora, s'interroga, si guarda all'indietro, si riprende il viaggio"